No caso de dramas de crime, o que nos prende primeiro? Seriam as personalidades daqueles que resolvem esses casos? Ou poderia ser a natureza das próprias investigações? Independente de qual seja a resposta, hoje separamos os melhores filmes de detetive. Confira:
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Zodíaco (2007)
A identidade do assassino do Zodíaco é um dos maiores e mais assustadores mistérios do EUA, assim como a identidade de Jack, o Estripador, para a Inglaterra. Embora muito parecido com o filme “Do Inferno”, “Zodíaco” de David Fincher parece ter suas próprias ideias sobre quem foi o culpado, mesmo que o caso nunca tenha sido totalmente resolvido. Especulações à parte, Fincher pode ajudar a contar uma boa história. Além disso, graças ao roteiro de James Vanderbilt baseado no livro de mesmo nome de Robert Graysmith, “Zodíaco” entrou na lista.
A tensão no filme é frequentemente subestimada, especialmente quando o assassino do “Zodíaco” não está tentando fazer sua presença conhecida. Mas quando ele é visto na tela, o suspense aumenta a um nível insuportável. Como se você não pudesse ficar mais imerso neste “turbilhão”, o design de produção é estelar. Por fim, os visuais contêm uma qualidade ligeiramente “dessaturada” que realça a sensação do tempo.
O Terceiro Homem (1949)
Um grande elogio que muitos deram a “O Terceiro Homem” de Carol Reed é sua atmosfera. E como não poderia ser com o glorioso cenário de Viena? A Viena do pós-guerra parece um cenário oportuno para a mentalidade de vidro meio vazio que preenche todos os “filmes noir”. O escopo é ambicioso e tão grande quanto o local, mas o filme de Reed nem sempre é atmosférico no sentido tradicional do “filme noir”. O diretor de fotografia Robert Krasker faz uso frequente de ângulos dramáticos e inclinados para fornecer uma sensação de desconforto semelhante a algo mais padrão do gênero.
Além de algumas atuações de destaque da maioria do elenco primário, incluindo Joseph Cotton, Orson Welles e Alida Valli, a partitura de Anton Karas é certamente algo peculiar. Na primeira audição, seu violão estrondoso parece não combinar com os momentos de tensão. Mas ajuda efetivamente o tom opressor do filme ao levantar essas questões dentro do espectador.
Chinatown (1974)
Parece que as interpretações mais modernizadas do “filme noir” – neste caso, qualquer coisa desde a era da Nova Hollywood até o presente – tornaram-se mais desagradáveis com o passar do tempo e as limitações do que poderia ou não ser mostrado no filme foram diminuindo. “Chinatown” pode não ser tão brutalmente violento quanto os que viriam a seguir, mas não precisava ser. Quase tudo no filme grita, o que certamente está longe de ser apenas cínico.
Uma boa parte disso vem do retrato de Jack Nicholson do detetive particular Jake Gittes. Mas a maior parte da maldade é atribuída ao assunto do incesto, algo que a era do Código Hays de Hollywood teria um pouco de dificuldade em discutir. Além disso, a maioria não teria ousado tocar no final que o diretor Roman Polanski foi capaz de realizar aqui.
No Calor da Noite (1967)
Poucos filmes, ou as pessoas por trás deles, poderiam ter sido tão corajosos quanto “No Calor da Noite”. O romance de John Ball já era bem oportuno, ao chegar no auge do movimento pelos direitos civis. Além disso, o filme chegou apenas dois anos depois. Como resultado, o filme é um dos mais importantes da década de 60, uma época em que Hollywood estava removendo sua estrutura moral arcaica.
Fosse no calor da noite ou no Adivinha quem virá jantar, Sidney Poitier sempre se viu no centro dessas discussões, e por um bom motivo. Seu poder e carisma como o detetive de polícia Virgil Tibbs é cativante, especialmente ao confrontar, verbal e fisicamente, para surpresa de muitos, o racismo da América branca – que, para ser justo, é a maioria decente desta foto.
Blade Runner – O Caçador de Androides (1982)
“Blade Runner” de Ridley Scott tem simultaneamente confundido e fascinado os espectadores por algumas décadas. Assim, é um pouco compreensível que a reação inicial a ele não tenha sido tão positiva quanto é hoje. A passagem do tempo traz novas perspectivas e, como resultado, novas luzes brilharam sobre os temas existenciais e filosóficos do filme e seu sabor característico de neo-noir.
Como muitos dos filmes vistos aqui ou em outros lugares do gênero, “Blade Runner” usa seu cinismo na capa, e sua iluminação discreta aumenta esse tom. A iluminação aqui é curiosa, pois serve para mais de um propósito. A visão de Ridley do futuro se encaixa perfeitamente no projeto de ficção científica pós-apocalíptico. Além disso, o uso pesado do claro-escuro faz com que o escopo e a escala épica do filme pareçam mais monolíticos. A ambiguidade de seu final contém seu próprio peso, filosoficamente falando, e também parece uma resolução mais adequada para o filme noir.
Laura (1944)
Isso já foi falado, mas uma visão cínica é um requisito para o filme noir, embora não seja o único, é claro. Para “Laura” de Otto Preminger, entretanto, não é explicitamente assim – pelo menos, não tanto quanto alguns de seus contemporâneos. O pessimismo certamente se desenvolve conforme a trama avança, terminando com um final sombrio, como muitos de seu tipo fazem. O ato de abertura é curioso, pois os personagens chegam no meio da investigação sem que o público tenha conhecimento do crime cometido.
Além disso, o tom parece de um elogio, o que é plausível considerando que grande parte da narrativa desta parte é contada por meio de flashbacks. Este tipo de atmosfera parece um tanto antitético às convenções do gênero, mas pela conclusão de “Laura”, ele se transforma em algo mais apropriadamente familiar. Completada por fortes atuações de seu elenco, “Laura” se destaca como um dos grandes clássicos do gênero.
Amnésia (2000)
Em “Amnésia” de Christopher Nolan, a ambiguidade moral previamente discutida com Insomnia floresce em espadas, e é o que primeiro trouxe o diretor para o centro das atenções. Além disso, a amnésia do nosso protagonista (Leonard Shelby de Guy Pearce) torna este tema ainda mais preocupante. Mas por mais preocupante que seja sua condição, o fato de ser uma espécie de protagonista e narrador não confiável torna sua jornada muito mais cativante.
Com a ajuda da estrutura narrativa única de Nolan de reverter o presente e jogar o passado cronologicamente, o público recebe uma visão distinta da condição psicológica de um homem. E embora a abertura do filme carregada de emoção possa exonerá-lo de qualquer inocência, ainda permanecemos fisgados porque percebemos que o verdadeiro mistério não é quem estuprou e assassinou sua esposa, mas sim como ele chegou ao “final” do filme. É um neo-noir peculiar que cuidadosamente desvenda seu cinismo arraigado ao longo de uma narrativa em mudança, em vez de explicitamente mostrá-lo por meio de recursos visuais e / ou caracterização.
O Grande Lebowski (1998)
É uma história de detetive neo-noir de comédia negra, e é completamente mental – ou pelo menos os irmãos Coen eram. Desde o seu lançamento em 1998, “O Grande Lebowski” tem entretido estudantes universitários e também os que sofrem de drogas, muitas vezes matando esses dois coelhos com uma cajadada só. Essas especificidades de gênero são geralmente esquecidas ao encontrar o recurso, mas considerando o quão bem os jogadores se envolvem com o material dos irmãos Coen, alguém pode ser perdoado por apenas assistir por um punhado de momentos.
Muitas personalidades associadas a filmes nesta lista são afáveis por suas várias características, os tipos de características que se alinham com as representações tradicionais de masculinidade. Pode ser apenas um palpite, mas o Cara (Jeff Bridges) não é do tipo que se preocupa muito com a forma como se apresenta. Ele é apenas o Cara, e isso é tão complicado quanto ele precisa ser. No entanto, os Coen agradavelmente obrigam a lançá-lo no meio de um conto alegremente desconcertante de ficção absurda.
Um Corpo que Cai (1958)
Alfred Hitchcock tem vários filmes famosos ligados ao seu nome, mas “Um Corpo que Cai” é indiscutivelmente um dos seus maiores. Dessa forma, o filme começa com um estrondo impactante, enquanto Scottie Ferguson (James Stewart) assiste. Além disso, um colega policial cai para a morte tentando salvá-lo, e embora o filme se torne mais psicológico a partir deste momento, nunca perde seu “soco”. Com a tendência de Hitchcock para reviravoltas inesperadas e personagens enganadores, a narrativa permanece tão firme quanto qualquer uma de suas composições de filmagem.
O filme de Hitchcock é um exemplo do mistério ou investigação que desempenha um papel secundário em relação às relações construídas entre dois personagens, e o que é tão fascinante quanto a narrativa que Hitchcock gira são as teorias a respeito de seus temas. Muitos postularam que, implicitamente, ou talvez explicitamente, “Um Corpo que Cai” fala do controle masculino dos recursos visuais no que se refere à feminilidade e masculinidade, questionando assim as percepções masculinas dominantes de ambos. Nesse caso, “Um Corpo que Cai” é um filme progressivo para a época.
Se7en – Os Sete Crimes Capitais (1995)
David Fincher é um daqueles diretores cujo trabalho é ansiosamente aguardado e infinitamente alardeado. Além disso, depois do infame “Alien 3”, ele realmente anunciou sua presença na indústria com “Se7en – Os Sete Crimes Capitais”, um notório mistério de assassinato sobre vítimas mortas com base nos Sete Pecados Capitais. Há muita coisa boa no filme de Fincher; por exemplo, sua visão corajosa e intransigente dos crimes e um uso brilhantemente perturbador da ideia de que o mais assustador não é o que você vê, mas o que você imagina. Para não mencionar um final de golpe pesado sem qualquer esperança.
Elogios são frequentemente enviados na direção de seus dois protagonistas, Morgan Freeman e Brad Pitt, individualmente, mas talvez nem tanto seja dito sobre sua parceria na tela. Por meio de uma falta de química convincente e proposital entre os dois como personagens, pode-se facilmente identificar a química entre os dois como atores. Apesar de seguirmos e nos agarrarmos ao Detetive Somerset (Freeman) por seus modos estudiosos e discretamente autoritários, a exploração um tanto psicológica de Mills (Pitt) torna-se sua própria narrativa lateral, fornecendo muito do impacto que o final tem.
O Silêncio dos Inocentes (1991)
O “Silêncio dos Inocentes”, de Jonathan Demme, é um caso bastante único aqui. Por um lado, é uma história de detetive genuína quando a estagiária do FBI Clarice Starling (Jodie Foster) caça um assassino em série louco conhecido como Buffalo Bill (Ted Levine). Por outro lado, este filme é igualmente sobre o relacionamento de Starling com o Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) e os numerosos jogos psicológicos de dominação que ele joga com ela enquanto coopera com seu caso. Em muitos aspectos, a busca de Starling por Buffalo Bill parece secundária, assim como o mistério de James Stewart em “Um Corpo que Cai”.
E ainda assim, o roteiro permanece bem focado, mesmo com muito tempo para a fuga de Hannibal do confinamento. A investigação em si pode parecer secundária a todo o resto, mas ainda somos tratados com Bill e toda a sua loucura perturbadora, incluindo algumas linhas estranhamente citáveis (não se preocupe, Lecter tem seu quinhão também). Além disso, somos igualmente pegos na perseguição por causa de suas duas personalidades conflitantes; comparado ao canhão solto de Levine, Buffalo Bill, o “Hopkins’s Lecter” é mais refinado, embora às vezes improvisado.
Relíquia Macabra (1941)
Nenhuma lista de filmes de detetive estaria completa sem pelo menos uma entrada de Humphrey Bogart, e que melhor filme para proclamar sua grandeza do que “Relíquia Macabra”? Pode-se argumentar que Casablanca é seu melhor filme, incluindo este escritor, mas junto com o clássico High Sierra, “Relíquia Macabra” é onde ele realmente anunciou sua chegada como a próxima grande estrela de Hollywood. Todos os estereótipos de filme “noir hard-boiled” foram modelados a partir de performances como a sua, especialmente a de Sam Spade no romance de Dashiell Hammett de mesmo nome.
Mas é claro, o filme é mais do que apenas Bogie; Mary Astor e Peter Lorre fornecem suas próprias curvas fenomenais também. Cada sala é pouco iluminada para aumentar a tensão e cada ângulo dramático dos personagens sentados e conversando para brincar com a percepção de poder do público. Ninguém copia e cola a estética se o motivo não for sua grandeza, e “Relíquia Macabra” é um projeto muito bom.
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